Este lanzamiento representa no solo un avance artístico, sino también una apuesta clara por internacionalizar el trap colombiano desde regiones que históricamente no han sido protagonistas dentro de la industria urbana.

“GOT MERCY” es una canción que refleja la evolución musical de Lil Tikey, influenciada por la ola del trap estadounidense y artistas como Lil Yachty, pero reinterpretada desde su propia identidad cultural.

El sencillo propone un estilo fresco: trap americano en español, con una mezcla orgánica de idiomas que conecta con audiencias globales y posiciona al artista dentro de una nueva generación que busca romper fronteras.

El proyecto fue desarrollado en la ciudad de Medellín, uno de los epicentros más importantes de la música urbana en Latinoamérica. La canción fue grabada en Trap House El Poblado, un espacio creativo clave en el desarrollo del sonido del artista.

La producción estuvo a cargo de Prodmonja, reconocido productor de Medellín que ha participado en éxitos del género urbano, aportando un sonido competitivo y alineado con estándares internacionales.

Por su parte, la dirección creativa del proyecto audiovisual fue realizada por 2 Por Ciento, consolidando una propuesta estética que refuerza el concepto moderno y global del lanzamiento.

Lil Tikey no solo busca posicionarse como artista, sino también abrir camino para una nueva escena musical en su región. Su sonido representa una propuesta innovadora que no se había explorado previamente en el sur del Huila, combinando influencias internacionales con una visión local.

Este lanzamiento simboliza una etapa de encuentro musical y evolución personal, donde el artista define su identidad y proyecta un crecimiento sólido dentro de la industria.

Con “GOT MERCY”, Lil Tikey deja claro su objetivo: llevar el trap colombiano a un nivel global. Su visión incluye colaborar con artistas internacionales como Travis Scott, Metro Boomin, Don Toliver y Lil Yachty, además de realizar giras y expandir su impacto más allá de Latinoamérica.

El artista apuesta por la mezcla de culturas, sonidos y lenguajes como una herramienta para conectar con audiencias diversas y posicionar el trap latino en mercados internacionales.

“GOT MERCY” no es solo un lanzamiento musical, es el punto de partida de una nueva fase en la carrera de Lil Tikey. Una etapa en la que el artista busca consolidarse, innovar y construir industria desde Colombia hacia el mundo.

Con una propuesta fresca, una visión global y una identidad en evolución, Lil Tikey se perfila como una de las nuevas apuestas del trap colombiano con proyección internacional.

Actualmente, Hilary Rhodes se posiciona como una de las figuras emergentes dentro del contenido digital en plataformas internacionales, donde su estilo directo y genuino ha sido clave para construir una comunidad sólida y en constante crecimiento.

Su historia dentro de la industria comenzó durante su etapa universitaria, cuando buscaba oportunidades laborales para sostener sus estudios. Fue allí donde inició como monitora en un estudio webcam, experiencia que le permitió conocer de cerca el funcionamiento del sector.

Con el tiempo, decidió emprender su propio camino como creadora independiente, apostando por una identidad basada en la naturalidad, lo que hoy se ha convertido en su principal diferencial.

A diferencia de otros perfiles que construyen personajes, Hilary Rhodes ha optado por mostrarse tal como es. Esta transparencia ha generado una conexión más profunda con su audiencia, fortaleciendo su crecimiento en diferentes plataformas digitales.

Hilary Rhodes distribuye su contenido en diversas plataformas reconocidas dentro de la industria, lo que le ha permitido expandir su alcance a nivel global y conectar con audiencias de distintos países.

Como parte de este sector, también ha enfrentado críticas y prejuicios. Sin embargo, ha sabido mantener su enfoque profesional, diferenciando claramente su vida personal de su trabajo.

Más allá de su contenido, Hilary Rhodes promueve un mensaje claro: el respeto hacia quienes forman parte de la industria del entretenimiento para adultos. Su objetivo es contribuir a una visión más abierta, consciente y libre de estigmas.

Entre sus próximos proyectos, busca desarrollar iniciativas que visibilicen la realidad de esta industria desde una perspectiva más humana, mostrando tanto sus oportunidades como sus desafíos.

Los interesados pueden seguir su contenido y actualizaciones en redes sociales como Instagram y X bajo el usuario:

@HilaryRhodes_

Con un tracklist de 17 canciones, el proyecto es un testimonio de control creativo absoluto. Diana no solo firma como intérprete; ella es la escritora, compositora, productora e ingeniera de mezcla de casi la totalidad del álbum. Esta destreza técnica, pulida tras años de formación entre Venezuela y su especialización en Ingeniería en Audio en la Academia Fermatta de Guadalajara, la posiciona no solo como una cantante, sino como una arquitecta de sonido.

Un mosaico de géneros sin fronteras

El mixtape es un viaje autobiográfico que ignora las etiquetas convencionales. La narrativa fluye desde el pop punk enérgico de “mr. bad news” hasta experimentación internacional de “잘 자 (goodnight)”, su primera pieza interpretada en coreano.

A través de singles como “sonnet love me back” (un guiño a su herencia latina) y “hanahaki” (inspirado en la lírica japonesa), Baby D construye un puente entre sus raíces en Maracaibo y su realidad cosmopolita en México. El álbum está diseñado como una historia con principio y fin, enmarcado por los tracks conceptuales “intro: hello, stranger” y “p.s: I’m sorry”.

Más allá de los escenarios, la visión de Diana Marín apunta a la estructura. Con la propiedad total de sus composiciones recuperada tras su paso por la banda Colors, la artista ya prepara el terreno para su propio sello discográfico: Purple Playground.

Este sello nace con una misión clara: ser el puerto seguro para otros creadores independientes, ofreciéndoles la plataforma profesional que ella misma construyó desde cero. Mientras tanto, el futuro inmediato de Baby D ya tiene hoja de ruta: El lanzamiento de la segunda parte de su mixtape para cerrar el ciclo narrativo. El esperado debut de su dúo NDA junto a Daniela Chacón. Su consolidación como compositora para otros artistas de la industria internacional. “what I meant to say that night, side a” ya se encuentra disponible en las principales vitrinas digitales del mundo, incluyendo Apple Music y YouTube Music.

(Por: Erick Patiño)

Más que un género inventado, H.A.L.F. es simplemente la forma que encontró Don Julius de describir un sonido híbrido que mezcla varias influencias reales dentro de la música electrónica.

“Durante mucho tiempo me preguntaban qué estilo hacía y me costaba explicarlo. Mi música mezcla muchas influencias, así que acabé creando el concepto H.A.L.F.: House, Afro, Latin y Festival.”

 Su sonido combina groove latino, percusión tribal y elementos electrónicos cercanos al melodic techno, pensados tanto para la pista de baile como para escenarios de festival.

La identidad musical de Don Julius nace en la escena electrónica catalana de finales de los 90, cuando el sonido MAKINA dominaba salas míticas como Chasis, XQUE, Pont Aeri o Scorpia.DJs como Skudero & Xavi Metralla, Frank Traxx,  DJ Neil, Ricardo F, Pastis & Buenri o Dany BPM marcaron sus primeros años como oyente y despertaron su pasión por la pista de baile y la cultura DJ.

En el terreno de la producción musical, referencias como Sistema3, Ruboy o Fraktal formaron parte de ese universo sonoro.Una figura clave en su formación fue Julio Posadas, productor histórico de la escena electrónica Española y profesor de Don Julius en 73 Muzik Academy, a quien el artista reconoce como uno de los pilares fundamentales de su aprendizaje técnico en la producción musical y la ética en el trabajo..

Con el paso de los años, su sonido evolucionó hacia el house y latin house de Barcelona de principios de los 2000, una escena marcada por el groove, la percusión y la libertad creativa.Espacios como La Atlántida de Sitges, Café Olé, Souvenir, La Madame, Merci, Lokotron o Chikita, junto con las legendarias fiestas de Space Ibiza, marcaron profundamente su visión musical.

En esa etapa también influyeron artistas como Erick Morillo, Chus & Ceballos, Taito Tikaro, Ior-Dee o Juanjo Martín, figuras clave del house mediterráneo.

La escena progresiva de discotecas como Area, con DJs como David Oleart o Alberto Tapia, también amplió su perspectiva sonora.

Dentro de la escena electrónica actual, Don Julius se siente cercano a propuestas que combinan groove latino y cultura club, con artistas como Hugel, Gordo, DJ Chus, Ceballos o Aaron Sevilla.También reconoce la influencia de DJs actuales a los que admira como Jesús Fernández, Edgar Aguirre, Dani Masi, Shake Coconuts o Robert Morr.

 El artista reconoce que seguramente quedan muchos nombres por mencionar, ya que la escena electrónica está llena de talento.Para Don Julius, la música electrónica siempre ha sido un espacio de respeto, inspiración mutua y evolución colectiva.

Además, destaca que la colaboración entre DJs, productores, cantantes y músicos es una de las partes que más le ilusionan del proceso creativo.

Siempre ha mantenido los ojos y los oídos abiertos a nuevas propuestas, mostrando interés por colaborar con artistas de distintos países y culturas para explorar nuevas fusiones musicales.

“La música electrónica es un lugar para aprender, compartir y crecer juntos. Colaborar con otros artistas siempre me ha inspirado.”

Todo ese recorrido musical se materializa en Hybrid Ritual, un álbum que funciona como la carta de presentación del universo sonoro del artista.

El disco comienza con una intro pensada para abrir sus shows, y a partir de ahí explora diferentes matices dentro del concepto H.A.L.F.: afro house tribal sonidos más melódicos cercanos al melodic techno fusiones inesperadas como una bachata house con energía festival.

Más que encasillarse en un único subgénero, el álbum busca mostrar la amplitud de posibilidades de su identidad sonora. Con Hybrid Ritual, Don Julius presenta una propuesta que combina precisión electrónica, groove latino y cultura club mediterránea.

El artista venezolano Sergini presenta oficialmente su primera SPOZZ SESSION, una sesión especial realizada en colaboración con Spozz Club, una plataforma que busca construir comunidades auténticas entre artistas y fans más allá de las dinámicas tradicionales de las redes sociales.

La sesión se estrenó con “1FUNK”, el primer lanzamiento de la carrera de Sergini y una canción que marca el punto de partida de su identidad sonora. Más que un debut, el tema representa una declaración artística donde el músico deja claro que su propuesta no busca encasillarse en un solo género.

Inspirada en formatos como las Color Sessions, la SPOZZ SESSION propone un concepto más íntimo y directo, donde la interpretación y la emoción se convierten en el centro de la experiencia. El formato reduce los elementos visuales excesivos para que la música y la presencia del artista hablen por sí mismas.

“1FUNK representa el inicio de todo. Es la canción donde decidí no pertenecer a un solo género sino construir uno propio”, comenta Sergini sobre esta primera etapa de su proyecto musical.

La canción combina afrofunk, afrohouse, trap, jersey club y ritmos alternativos, creando una mezcla fresca y bailable que define el universo sonoro del artista. Este enfoque híbrido refleja la nueva generación de músicos independientes que exploran sonidos globales sin perder autenticidad.

La colaboración con Spozz Club también representa un paso estratégico en la carrera de Sergini. En lugar de enfocarse únicamente en el consumo rápido típico de las plataformas sociales, el proyecto apuesta por fortalecer la relación directa entre artista y audiencia.

Esta visión responde a una tendencia creciente dentro de la industria musical: crear comunidades reales alrededor de la música, donde los seguidores puedan sentirse parte del proceso creativo y del crecimiento del artista.

Con esta primera SPOZZ SESSION, Sergini abre una nueva etapa en su carrera, mostrando su esencia musical de forma cruda, honesta y sin filtros.

La sesión de “1FUNK” ya se encuentra disponible de forma exclusiva en spozz.club, donde los fans pueden descubrir de cerca el inicio de este nuevo proyecto musical.

Lo que comenzó como una corazonada antes de salir a hacer ejercicio terminó convirtiéndose en uno de los momentos más importantes de su trayectoria. Una llamada de un número desconocido cambió su historia.

“Hola, ¿hablo con DAELA?”, escuchó al otro lado de la línea. La sorpresa fue inmediata al notar que utilizaban su nombre artístico. Minutos después, el mensaje era claro: el equipo de producción de A Otro Nivel quería saber si estaba interesada en iniciar el proceso de selección.

Aunque inicialmente dudó, pensando que podría tratarse de una estafa, la confirmación llegó por los canales oficiales del programa. Habían venido siguiendo su perfil artístico y querían que avanzara a la siguiente fase. La emoción fue inmediata: gritos, lágrimas y abrazos junto a su madre y su familia marcaron el inicio de esta nueva etapa.

El proceso incluyó entrevistas virtuales, envío de documentación y una audición preliminar con coaches vocales. Desde su estudio en casa, DAELA preparó un repertorio de 20 canciones de distintos géneros, lista para interpretar cualquiera que le solicitaran.

Durante la audición virtual interpretó fragmentos de “El Cigarrillo” y “No Quererte” de Maía, una de las artistas que más admira y a quien considera su referente femenina en Colombia. Posteriormente, sostuvo una entrevista profunda sobre su historia, sus raíces y su proceso artístico.

Tras más de veinte días de espera, llegó la confirmación: debía viajar a Bogotá para la siguiente fase del programa.

En la audición presencial eligió “Volver, Volver”, canción popularizada por Vicente Fernández, uno de sus grandes ídolos musicales. La elección no fue casual: desde niña interpretaba ese tema junto a su padre, convirtiéndolo en un símbolo emocional dentro de su formación artística.

Con esta presentación, DAELA no solo asumió un reto vocal exigente, sino que rindió homenaje a una de las voces más influyentes del regional latinoamericano.

Su identidad musical se mueve dentro del regional popular con una sensibilidad femenina contemporánea, conectando tradición y modernidad. Ha construido su camino desde la niñez, participando en concursos, formándose vocalmente y presentándose en distintos escenarios de Medellín.

Hoy, su presencia en televisión nacional representa mucho más que una competencia: simboliza años de disciplina, fe y trabajo colectivo.

“Yo lo manifesté, lo soñé y trabajé para que pasara”, afirma la artista.

Su más reciente lanzamiento, “Por Última Vez”, pertenece al género urbano latino, con fuertes influencias de reguetón y pop latino. La canción fue grabada en la ciudad de Baní, República Dominicana, y cuenta con la producción de Lipe 808, quien aporta un sonido sensual, envolvente y contemporáneo que conecta desde el primer beat.

“Por Última Vez” nace de una conexión intensa entre dos personas que se desean y deciden vivir el momento sin pensar en el mañana. La inspiración surge de la química, la atracción y la urgencia de aprovechar cada instante como si fuera único. El tema transmite un mensaje de pasión, entrega y disfrute del presente, resaltando la magia que ocurre cuando dos personas se envuelven en una experiencia irrepetible.

Este lanzamiento ofrece una experiencia musical cargada de deseo, energía y conexión emocional. Es un tema diseñado para escucharse de noche, en el carro o en momentos íntimos, donde la música no solo se oye, sino que se siente y se vive. Su vibra intensa y sensual posiciona a BIG MUSIC dentro de una propuesta sólida y atractiva para el público urbano actual.

“Por Última Vez” representa un paso importante en el crecimiento artístico y digital de BIG MUSIC. El proyecto forma parte de una estrategia integral de contenido en redes sociales, donde el artista comparte fragmentos del proceso creativo, adelantos del tema y una conexión real con su audiencia. Esta visión le ha permitido fortalecer su presencia en plataformas digitales como Spotify y consolidar una comunidad que crece de manera orgánica.

Más allá de la música, BIG MUSIC entiende el contenido digital como una extensión de su carrera artística, utilizando las redes sociales como un puente para conectar, comunicar y posicionar su proyecto dentro del ecosistema musical actual. Su disciplina, adaptabilidad y visión a largo plazo lo proyectan como un artista en constante evolución, comprometido con dejar una huella propia dentro de la escena urbana.

“Gatiñho” fue grabada entre Medellín y Río de Janeiro, integrando procesos de producción colaborativa que articulan percusiones orgánicas, patrones rítmicos tradicionales del funk brasileño y elementos estructurales del afro house. El resultado es una pieza de alta densidad rítmica, construida sobre grooves sincopados, líneas de bajo envolventes y texturas que dialogan entre lo ancestral y lo electrónico.

Más que una canción, “Gatiñho” funciona como dispositivo cultural que celebra la identidad afrocolombo–brasileña. Ambas ciudades comparten una raíz afro poderosa, donde la música no solo es entretenimiento, sino expresión social,

Sara Valentina proyecta el funk carioca hacia un lenguaje global, manteniendo su esencia callejera, pero reconfigurándola bajo una narrativa moderna y multicultural. La propuesta conecta con audiencias que consumen sonidos híbridos y buscan experiencias musicales que trasciendan fronteras.

“Gatiñho” es ritmo, identidad y conexión: un puente sonoro que valida el mestizaje como motor creativo dentro del circuito urbano internacional.

A lo largo de su carrera ha compartido escenario con reconocidos exponentes como Gabriel Arriaga, Alexis Escobar y Yeison Jiménez. Inició su proceso musical en el reggaetón, exploró el rap y el vallenato incluso liderando la agrupación Los Protagonistas del Vallenato hasta encontrar en la música popular el género que conectó profundamente con su esencia artística.

Recientemente fue reconocido con Disco de Oro en los premios “Se Escucha Tu Voz Awards”, de la mano de Elio Rodríguez, un logro que reafirma su crecimiento y disciplina en la industria.

El sencillo “Estoy Cansado” fue compuesto mientras Kevin se encontraba en su jornada laboral, inspirado en situaciones personales y comentarios que recibió sobre su forma de vestir y su estilo diferente dentro de la música popular.

Grabada en Saenz Producciones, en Bogotá (barrio Roma), la canción fusiona la música popular con un toque de banda, incorporando una identidad urbana que rompe esquemas tradicionales del género.

La inspiración del tema surge de las críticas que enfrentó por no encajar en el estereotipo clásico del cantante popular. Siempre fiel a su estilo urbano y acompañado de su diseñador New Blunt, Kevin transmite un mensaje claro:

La música no tiene estilo, tiene amor.

El mensaje principal de la canción invita a las personas a vivir auténticamente, sin permitir que las críticas apaguen su brillo ni su esencia.

La producción musical estuvo a cargo de Adán Saenz Producciones, logrando un sonido espontáneo, auténtico y emocional, con el que el público puede identificarse desde el primer verso.

Aunque aún no cuenta con videoclip oficial, el artista lanzó en YouTube la letra oficial del tema, permitiendo que los oyentes conecten directamente con el mensaje y la historia detrás de cada frase.

Kevin describe este lanzamiento como una experiencia única y genuina, donde cada parte de la canción refleja vivencias reales, disciplina y constancia.

Para Kevin Medina, “Estoy Cansado” representa mucho más que un sencillo: simboliza el cumplimiento de un sueño que venía trabajando desde hace años. Fue en 2025 cuando finalmente logró materializar su primer lanzamiento oficial, consolidando su lema:

“Kevin Medina de la mano de Dios, sí se puede.” Con esta producción, el artista busca que el público no solo escuche la canción, sino que la sienta, la haga suya y se identifique con cada palabra.

Su meta es clara: que “Estoy Cansado” llegue a más personas, que la disfruten con sentimiento y que su mensaje de autenticidad trascienda fronteras.

La canción fue creada en el Laboratorio King Killah, con la pista musical realizada por Dowsher Ak y la producción a cargo de Armando Díaz. El tema fue grabado bajo la producción tradicional de HAF Producciones, empresa liderada por Hirvin Flores, destacado profesional de la industria musical venezolana con más de cuatro décadas de experiencia como disquero, promotor y manager artístico.

“Artemisa” se inspira en la diosa griega Artemisa, símbolo de fuerza, independencia y poder femenino. El mensaje principal del tema celebra la llegada de una mujer especial a la vida de cada persona, representada como una figura poderosa que transforma y eleva el corazón.

La colaboración entre los artistas surgió de manera natural. La idea fue impulsada por el público que deseaba verlos unidos, por lo que sin planearlo públicamente decidieron juntarse en el estudio y trabajar en el concepto que eventualmente dio vida a la canción y al videoclip.

El video musical fue producido y dirigido por Iván, con el apoyo del equipo Jefferson Fotografías y Fausto Free Pulse, y fue filmado en el estudio Viedi en Caracas, reforzando la estética visual en sintonía con la energía del tema.

Este lanzamiento representa uno de los trabajos visuales más elaborados del grupo, marcando un hito creativo y profesional, especialmente notable como el primer video musical oficial en la carrera de Joswy.

Musicalmente, “Artemisa” combina la cadencia del merengue con la energía del reggaetón, creando un ritmo contagioso y fácil de bailar, ideal para discotecas, plataformas digitales y fiestas. La intención del trío es que la canción se quede en la mente y el corazón del público, generando alegría, movimiento y sensación positiva.

Los artistas esperan que el tema acompañe momentos significativos de la vida del oyente y se convierta en una pieza referencial dentro del género urbano latino.

La canción fue estrenada en un ambiente especial: el Campanero Grill del Centro Comercial Ciudad Tamanaco (Chuao) en Caracas, marcando el inicio de su ciclo promocional y la apertura de una nueva etapa para Dosis King, Slademusas y Joswy como artistas con proyección comercial internacional.

Con “Artemisa”, el trío busca consolidarse como exponentes urbanos comerciales, posicionando su música en discotecas y plataformas globales, y demostrando que el talento venezolano tiene voz propia en la industria contemporánea.